Carteles de Regreso al futuro

Drew Struzan (Portland, Oregon, 1947) es un artista que lleva dedicados más de treinta años a realizar carteles de cine. Inconfundible por sus diseños y dibujos, su primera obra fue La guerra de las galaxias (Star Wars, 1977) y desde entonces tiene en su currículum más de cien carteles entre los que se incluyen prácticamente la totalidad de las películas de Steven Spielberg y George Lucas.

Entre su obra, que se muestra en la página www.drewstruzan.com, he elegido los que realizó para Regreso al futuro (Back to the Future, 1985) y sus dos secuelas, una gozada.

Final de El planeta de los simios

Basada en la novela de Pierre Bouelle, El planeta de los simios (Planet of the Apes, 1968) del irregular pero a reconsiderar Franklin J. Schaffner -El señor de la guerra (The War Lord, 1965) o Patton (1970)- se erigió en un éxito comercial, y ligeramente crítico, que generó cuatro secuelas cinematográficas, un remake y varios telefilmes y series.

A mitad del camino del fantástico y el cine de aventuras, la primera película se luce con uno de los finales más sorprendentes y sobrecogedores de la historia del cine. El decimoséptimo puesto entre los mejores finales que hace unos años le asignó la página Filmcritic se queda un poco corto.

Los nombres de las mejores bandas de rock (II)

Más nombres de grandes bandas de rock -faltan algunas pero no me echéis a los perros-:

• Blondie: es el nombre por el que se conoce a la tira cómica de los periódicos norteamericanos Blondie and Dagwood, acerca de una rubia y su marido, que empezó a publicarse en 1930.

• Blur: inicialmente llamados Seymur, su cambio de nombre se decidió porque no existía otro igual y era sumamente sencillo.
• Chemical Brothers: los Dust Brothers en honor a los productores de uno de sus álbumes favoritos, el Paul’s Boutique de los Beastie Boys, fueron demandados por que exitía otro grupo con el mismo nombre. Al denegarseles el nombre alternativo de Dust Brothers UK, eligieron el actual.
• Creedence Clearwater Revival: como su primer nombre The Golliwogs no le gustaba a la discográfica, su líder John Fogerty mezcló el nombre de un amigo, Creedence, que vio un anuncio en televisión de una cerveza "con las virtudes del agua clara" y que sintió una especie de revival musical. Un poco raro.
• Deep Purple: Ritchie Blackmore, guitarrista y fundador cambió el nombre de Concrete God por la canción favorita de su abuela. Un tema romantico compuesto por Nino Tempo y April Stevens, que alcanzó lo más alto de las listas en 1963.
• Dire Straits: situación económica de "Tremendas Estrecheces" en la que se encontraban todos los miembros del grupo cuando se unieron.
• Echo and the Bunnymen: según Ian McCulloch, cantante, "Significa, más o menos, nada. Teníamos un amigo que nos sugería nombres como The Daz Men o Glisserol and the Fan Extractors. Echo and the Bunnymen era uno de estos nombres". Otra versión es la del guitarrista Will Sergeant: "Pensé que era tan estúpido como los demás". El caso es que al principio llamaban a su batería electrónica Echo hasta que tuvieron un batería normal.
• Queen: al entrar Freedy Mercury en la banda Smile, que ya había publicado un single, sugirió el cambio de nombre parece ser que para darle más universalidad.

• Pixies: parecido a R.E.M. Joey Santiago, guitarrista, abrió al azar el diccionario y encontró una palabra que le sonó bien pero no conocía su significado -por entonces, no dominaba demasiado bien el inglés-. A todos les pareció bien.
• Radiohead: amigos desde la escuela, se llamaron en sus inicios On a Friday para pasar a ser Radiohead, a instancias de EMI antes de entregar su primer album, en honor a la canción Radio Head del disco True Stories (1987) de Talking Heads.
• Ramones: de entre las muchas versiones que circulan, la más creída es la que dice que Douglas "Dee Dee" Colvin, bajista, se basó en el nombre falso que Paul McCartney utilizaba para registrarse en algunos hoteles: Paul Ramon. Toda la banda pasó a ser apellidada artísticamente Ramone.
• R.E.M. : como dice mi amigo Vicente "buscaban un nombre para el grupo y abriendo el diccionario les apareció en primer lugar".
• Roxy Music: Bryan Ferry, líder del grupo, tomó el nombre de un cine que había en el otro lado de la calle donde vivía.
• Sex Pistols: Malcolm McLaren era el dueño de una tienda de ropa fetichista en Londres llamada Sex, por lo que decidió llamar al grupo del que se hizo manager QT Jones and the Sex Pistols. Al final redujo el nombre.
• Sonic Youth: entre las versiones que circulan por ahí, las dos más probables son: una combinación de Fred "Sonic" Smith de la banda MC5 y de Big Youth, músico reggae, y una burla a la gran cantidad de bandas con la palabra youth que había en la Nueva York de los años 80.
• Superchunck: este dato me lo descubrió Vicente: "Chunk (por el batería Chuck Garrison), luego le añadirian el prefijo Super".
• Talking Heads: lo eligieron pensando en una persona que habla sin hacer ningún tipo de gesticulación.
• The Who: Pete Townsend, guitarrista, pensó cambiar su nombre inicial, The High Numbers, por The Hair And The Who, pero como sonaba a nombre de pub lo acortaron, pensando también en llamar la atención cuando se imprimiera enorme en los carteles.

I'm going to make him an offer he can't refuse

Una de las cumbres del cine. La mejor trilogía. Una de las más grandes interpretaciones. De El padrino (1972) de Francis Ford Coppola todo lo que se diga es poco (y seguramente ya estará dicho).

La vi por primera vez con catorce años, primero del antiguo B.U.P., y me quedé alucinado. Nada más empezar la película, durante las peticiones a Don Corleone por la boda de su hija, un mal cantante y peor actor, le pide que intervenga para conseguir el papel de su vida. Y El Padrino dice: "Voy a hacerle una oferta que no podrá rehusar". Minutos más tarde, la cabeza de un caballo empapa las sábanas de un millonario.

Fragmentos (2007) de Ariel Luque

"Si el cortometraje no hubiera existido, Resnais lo habría probablemente inventado" dijo Jean-Luc Godard de las primeras películas de su compatriota, y es que Noche y niebla (Nuit et brouillard, 1955) y Toda la memoria del mundo (Toute la mémoire du monde, 1955) son obras maestras y el resto de sus cortos bastante buenos. Poco tiempo después el mismo Godard o Truffaut cambiaron la pluma por la cámara y realizaron sus primeros cortometrajes.

Muchos directores consagrados utilizaron el formato reducido en sus inicios, en España recuerdo a Pedro Almodóvar, Julio Médem o Alejandro Amenábar y en Argentina a Lucrecia Martel. Desde allí, Ariel Luque, joven crítico, guionista y bloguero, presenta en su página El cine... una realidad poética , una pequeña obra llena de talento.

Entre el humo de la ilusión y la ensoñación, una trompeta solitaria gime y una voz en off nos presenta la mujer soñada. Una mujer desconocida en un lugar desconocido. Una mujer buscada y presentada intensamente con primeros y primerísimos planos. El narrador protagonista aparece junto a ella y gana la partida que ella le propone -porque ella quiere-. Es el comienzo de la pasión, acertadamente retratada con fragmentos del cuerpo separadados por fundidos a negro y aunados por la envolvente música de la trompeta.

Una feliz aproximación al deseo, a la soledad y a los sueños para olvidarla, en un ambiente de brumas de bares (o cabarés) que me ha recordado a esa bellísima película de Eliseo Subiela titulada El lado oscuro del corazón.

Un firme paso de corta duración en un creador que espero que sea reconocido con su siguiente obra, también corta, y alcance el largo.

Bizarre Love Triangle (1986) de New Order

Every time I think of you
I feel shot right through with a bolt of blue
It's no problem of mine but it's a problem I find
Living a life that I can't leave behind
There's no sense in telling me
The wisdom of a fool won't set you free
But that's the way that it goes
And it's what nobody knows
While every day my confusion grows
Every time I see you falling
I get down on my knees and pray
I'm waiting for that final moment
You'll say the words that I can't say

I feel fine and I feel good
I'm feeling like I never should
Whenever I get this way, I just
don't know what to say
Why can't we be ourselves like we were yesterday
I'm not sure what this could mean
I don't think you're what you seem
I do admit to myself
That if I hurt someone else
Then I'll never see just what we're meant to be
Every time I see you falling
I get down on my knees and pray
I'm waiting for that final moment
You'll say the words that I can't say.

New Order. Brotherhood (1986).

Breve antología de la literatura universal

Canta, oh diosa, no sólo la cólera de Aquiles sino cómo al principio creó Dios los cielos y la tierra y cómo luego, durante más de mil noches, alguien contó la historia abreviada del hombre, y así supimos que a mitad del andar de la vida, uno despertó una mañana convertido en un enorme insecto, otro probó una magdalena y recuperó de golpe el paraíso de la infancia, otro dudó ante la calavera, otro se proclamó melibeo, otro lloró las prendas mal halladas, otro quedó ciego tras las nupcias, otro soñó despierto y otro nació y murió en un lugar de cuyo nombre no me acuerdo. Y canta, oh diosa, con tu canto general, a la ballena blanca, a la noche oscura, al arpa en el rincón, a los cráneos privilegiados, al olmo seco, a la dulce Rita de los Andes, a las ilusiones perdidas, y al verde viento y a las sirenas y a mí mismo.

Centro Cultural Faroni. Quince líneas (1996).

Vicky Cristina Barcelona (2008) de Woody Allen

Querido Woody Allen:

He visto todas tus películas casi puntualmente ya que algunas las estrenaste cuando acababa de nacer. He amado Nueva York contigo y gracias a ti. Me reí especialmente con tu primera etapa, pero también muchas otras veces, especialmente cuanto te veía en la pantalla. Homenajeaste a Bergman, casi siempre acertadamente. Las calles y los bares fueron tus escenarios, la época, el presente.

¿Pero últimamente qué te ha pasado? Desde Desmontando a Harry (Deconstructing Harry, 1997) te he encontrado cansado, sin esa chispa en los diálogos que antes bordabas, sólo con Match Point (2005) demostraste tu casi inagotable talento. Ahora nos ha llegado una postal tópica con actores desaprovechados de dos ciudades españolas.

Esta última obra, por ahora, abusa de la voz en off, repite las imágenes más bellas, pero más manidas, de una ciudad como Barcelona que tiene miles de caras. Los actores, indudablemnte solventes, están sin orientación y se ajustan a tópicos, especialmente la histérica Penélope Cruz -en un personaje hipérbole del cine de Almodóvar- y la turista Scarlett Johanson. ¿Y Bardem? Un pintor que es bohemio porque visita el barrio chino pero tiene avioneta y vive en Pedralbes. Increíble.

Acertada, hay que reconocerlo, está Rebecca Hall, el personaje con más matices, más redondo, con más evolución. No al principio, porque tanto ella como su novio son los típicos burgueses enconsertados en una clase y unas actitudes demasiado vistas.

Respecto a la banda sonora, sinceramente, creo que es lo peor. El tema central del grupo afincado en Barcelona Guilia y los Tellarini se repite hasta la saciedad para recordarnos insistentemente lo malo que es. El clásico Entre dos aguas de Paco de Lucía encaja mejor como leitmotiv pero se ahoga entre tanto flamenco, imprescindible, aunque no venga a cuento, en toda película ambientada en España.

De todas maneras, seguiré persiguiendo cada película que estrenes y emocionándome con Manhattan, Annie Hall, Zelig... y muchas otras.

Calificación: 2/10.

Los nombres de las mejores bandas de rock

Algunos nombres de grandes bandas del rock y cómo surgieron:

• The Animals: Animal Hog era el nombre de un okupa amigo de la banda. Para Eric Burdon "él resumía lo que queríamos representar con nuestra música. Total libertad, un poco de anarquía, mucho de salvaje y muchos buenos ratos".
• The Beach Boys: se llamaron Carl & the Passions, Kenny & the Cadets y The Pendletones hasta que la discográfica que publicó su primer álbum les cambió el nombre sin su permiso porque pensaron que reflejaba mejor la imagen del grupo.
• The Beatles: conocida es la mezcla que hizo John Lennon con las palabras Beetles (escarabajos) y Beat (compás, ritmo, redoble).
• Buzzcocks: el nombre surgió de una frase que repetía un personaje de la miniserie inglesa Rock Follies (1976): "Give me a buzz, cock!" (Dáme un toque).
• The Clash: Mick Jones, guitarrista y vocalista, eligió el nombre porque "esa era la palabra que aparecía más a menudo en los titulares de los periódicos entre 1975 y 1976".
• The Doors: proviene del libro de Aldous Huxley The Doors of Perception (1954), inspirado a su vez en un pasaje del poeta William Blake: "If the doors of perception were cleansed, everything would appear to man as it is: infinite.. " (Si se abrieran las puertas de percepción, todo aparecería ante el hombre tal cual es: infinito).
• Guns N'Roses: Axl Rose (cantante) y Izzy Stradlin (compositor y guitarrista) tocaban inicialmente en una banda llamada Rose, que después se pasó a Hollywood Rose, justo antes de que Axl se largara a los L.A. Guns en 1985. Cuando se juntaron las dos bandas adoptaron un nombre mezcla de de ambas.
• Hüsker Dü: lo sacaron del nombre noruego del juego de mesa Do You Remember?. Se trata de un juego de velocidad en el que se levantan fichas que están al revés y han de formarse parejas.
• Iron Maiden: lo tomaron de un instrumento de tortura consistente en un sarcófago con forma de mujer que tenía en su interior un forro de pinchos.
• The Jam: se le ocurrió a la hermana de Paul Weller, guitarrista, cantante y compositor de la banda, pensando un grupo a la hora del desayuno: "Bueno, ya tenemos a unos The Bread (el pan), a los The Marmalade (la mermelada -de naranjas amargas-), así que tengamos a los The Jam (la mermelada en general)".
• Jefferson Airplane: Jorma Kaukonen, su guitarrista, era un devoto fan de varios bluesmen blancos, uno de ellos tenía un perro llamado Blind Thomas Jefferson Airplane. Jorma pensó que era un buen nombre y pensaron adoptarlo temporalmente, pero no fue así.
• The Jesus and Mary Chain: lo sacaron los hermanos Reid de un regalo que daban en unos paquetes de cereales.
• Joy Division: llamados primeramente Warsaw, el nombre proviene del grupo de mujeres judías usadas como esclavas sexuales en los campos de concentración nazis.
• Led Zeppelin: pensando en formar un grupo juntos, John Entwistle, bajo de The Who, le comentó a su compañero Keith Moon, batería, y a Jimmy Page: "Vale, llamémonos Lead Zeppelin (zeppelin de plomo), porque caeremos como una pelota". Al final quitaron la a para que sonara mejor.
• Pink Floyd: Syd Barret, guitarrista y vocalista, bautizó a la formación inspirándose en uno de sus discos favoritos, firmado por dos bluesmen de Georgia llamados Pink Anderson y Floyd Council.
• The Rolling Stones: inicialmente llamados Little Boy Blue & Blue Boys (El pequeño niño azul y los niños azules), cuando Brian Jones entró en la banda adoptaron el nombre de una canción de Muddy Waters: Rolling Stones Blues (El blues de las piedras rodantes).
• The Smiths: los cuatro componentes querían un nombre que implicara anonimato y escogieron uno de los apellidos más numerosos y populares del Reino Unido.
• U2: Adam Clayton, primer mánager y bajista, quería cambiar el nombre inicial The Hype por uno que sonase mucho más ambiguo. Y eligió U2, nombre de un avión espía, un submarino y un popular modelo de pilas inglesas. Su sonido también significa "you, too" (tú, también) o "you two" (vosotros dos).
• The Velvet Underground: según el libro del mismo nombre sobre los placeres del sadomasoquismo escrito por Michael Leigh en 1963.

Vincent (1982) de Tim Burton

Es la primera película que realicé, la amo profundamente, es muy personal. Haber conocido a Vicent Price fue para mí una gran experiencia. No es sólo un gran actor, sin también un coleccionista de obras de arte y muchas otras cosas. Me inspiró mucho. De niño vi todas sus películas, las de Roger Corman en particular. Como tantos niños, tenía pensamientos sombríos, todo me afectaba y además era increíblemente tímido. Por razones que ignoro, me sentía identificado con los personajes que él interpretaba, sobre todo los de la serie basada en Edgar Allan Poe, lo que me servía de catarsis. Los tormentos, las torturas que él atravesaba eran cuentos de hadas para mí. Me rendía un servicio emocional. Ver sus películas me permitía expresar mis sentimientos.
Abordé el guión de Vincent como un relato literario acompañado de ilustraciones y se lo envié a Vicent Price. No le conocía y su reacción fue maravillosa. Aceptó poner la voz en off a la película. Fue un sueño que se convirtió en realidad. Nos conocemos ya desde hace diez años y estamos más o menos en contacto, por lo que me pareció evidente porponerle el papel de creador de Eduardo Manostijeras.

Tim Burton.

Soledad y olvido

El que en la soledad busca olvido, sólo acrecienta el recuerdo.

Thomas Fuller (1608-1661). Clérigo e historiador inglés.

El caballero oscuro (2008) de Christopher Nolan

La última aventura cinematográfica de Batman es la película más comentada en los blogs, la cuarta mejor de la historia por votación popular -IMDb-, la segunda más taquillera de la historia en Estados Unidos y la cuarta en todo el mundo. Con estos datos, acercarse a la película casi asusta y más cuando está casi de reestreno y ya se ha dicho todo.

Christopher Nolan (Londres, 1970) ha dirigido seis largometrajes en diez años consiguiendo con su audacia, y buen hacer, por supuesto, un prestigio inusitado para alguien tan joven. Memento (2000) asombró a medio mundo y tanto Batman Begins (2003) como El truco final - El prestigio (The Prestige, 2006) cosecharon buenas críticas y atrayeron a masas de aficionados. Nada, sin embargo, comparado con El caballero oscuro (2008), la más esperada película del año.

La perfección de la estrategia del superhéroe contra el crimen organizado conduce a un callejón sin salida a los grupos -bastante mal dibujados por arquetípicos- que controlan los negocios sucios de la ciudad. La experiencia y cultura del mal está acorralada y sólo un villano sin pasado o con muchos pasados, un miserable caótico pero omnipresente puede colapsar nuevamente todo el sistema. No valen entonces ni policías ni valientes defensores de la ley.

Este personaje, felizmente interpretado, es el protagonista de la película que deja en la sombra al superhéroe, cuestionado -como en algunas de las últimas adaptaciones- por la sociedad que defiende. Heath Ledger logra una intensidad dramática difícil de rastrear en anteriores malos del cine.

Afortunadamente no está solo porque los nuevos secundarios, Aaron Eckhart en su papel de defensor que deviene en vengador o Maggie Gyllenhaal como valiente compañera y vertice del triángulo amoroso, bastante digno todo sea dicho, y alguno de los antiguos, como Gary Oldman, mantienen el tipo bastante acertadamente. Morgan Freeman y Michael Caine tienen menos diálogos y no tan conseguidos, pienso en los toques cómicos del último.

La arquitectura narrativa, apabullante pero no artificiosa, la banda sonora, las escenas de acción -alucinante la persecución del furgón- y la sempiterna, pero no por ello desaprovechada, dualidad héroe-villano, conforman una película estupenda de obligada visión.

Calificación: 7/10.

Las apariencias del pintor

Aquel pintor tan pobre y barbilampiño no sólo llevaba pintado un fino bigote sobre su labio superior; también sus calcetines, que higiénicamente cambiaba cada día de color, eran pintados. Y la mujer con la que dormía estaba pintada sobre la sabana.

Ángel Guache.

Psychocandy (1995) de The Jesus and Mary Chain

Desde East Kilbride, una pequeña ciudad del área metropolitana de Glasgow, a mediados de los ochenta, dos hermanos de poco más de veinte años convulsionaron el rock.

Adoptaron el nombre de The Jesus and Mary Chain de una cadena de oro que venía de regalo con una conocida marca de cereales para el desayuno y comenzaron a hacer conciertos de espaldas al público de no más de 25 minutos -“Nunca ha habido un grupo lo suficientemente bueno como para tocar más tiempo” afirmaban-.

En mayo de 1984 firmaron con el sello independiente Creation de Alan McGhee y en noviembre del mismo año Jim y William Reid, ambos cantantes y guitarristas, Murray Dalguish en la batería y Douglas Hart en el bajo, editaron un 7" con Upside down en la cara A y Vegetable Man en la B. Su primera píldora eléctrica para el mercado indie.

Blanco y Negro, subsidiaria de WEA, los fichó y con Bobby Gillespie -luego líder de Primal Scream- sustituyendo a Dalguish en la batería editaron en noviembre de 1985 su primer larga duración: Psychocandy.

Influido por la omnipresente Velvet Underground y el surf de The Beach Boys, The Jesus and Mary Chain crearon catorce canciones, posteriormente se añadió Some Candy Talking que saldría en julio del año siguiente, que unían unas letras agresivas con unas paredes sonoras de guitarras distorsionadas que no dejaron indiferentes a nadie. Había nacido el noise rock.

La batería de Just Like Honey abre el disco. La voz suave de Jim nos encandila entre los primeros acordes de una guitarra, el bajo y la otra guitarra aparecen después creando un telón sonoro de fondo. No nos confundamos, este aperitivo da paso a The Living End que acelera el ritmo y crea la pared noise abrumadora, desgarradora. Otra vuelta de tuerca más da la siguiente canción Taste the Floor, la suciedad de la pared cubre todo el tema, la voz -igualmente pop- ya está muy alejada y aparece el primer riff arrebatador del disco, una roza hasta la médula. Algunos punteos tiene The Hardest Walk, pero una guitarra-taladro no te deja tranquilo. Después del descanso que supone Cut Dead -hasta suena limpia-, In a Hole te rompe los tímpanos, una pared de distorsión sucísima que culmina con un éxtasis vocal presa también de la locura. Taste of Cindy nos tranquiliza un poco, estamos ante metal con metal, pero con mano suave, sin gritos.

Never Understand, primer single, arranca con una batería demoledora y una pared sonora y una voz más rápidas de lo habitual, con aullidos finales. Quizá la canción más surfera y conseguida. Inside me suena como una motocicleta arrancando y una voz desde el más allá, menos mal que unos coros dulcifican el tema. Aterciopelada empieza Sowing Seeds, pero no es lo que parece. Después de My Little Underground, relativamente contenida, You Trip Me Up es pura distorsión, este segundo single es una de las canciones más redondas. Something Wrong supone el penúltimo escalón en el desvarío que acaba con It's So Hard, bronca, un juego entre la gargantas enfermas de los Reid y sus desconsoladas guitarras.

Personalísimo, agresivo, sucio, demoledor, decadente, irresponsable y absolutamente imprescindible.

Calificación: 9/10.
Clasificación Acclaimed Music: 80.
Clasificación Rolling Stone: 268.

Edición original (1985): Just Like Honey, 3:00, The Living End, 2.14, Taste the Floor, 2:54, The Hardest Walk, 2:36, Cut Dead, 2:45, In a Hole, 3:01, Taste of Cindy, 1:39, Never Understand, 2:58, Inside Me, 3:08, Sowing Seeds, 2:47, My Litte Underground, 2:30, You Trip Me Up, 2:22, Something's Wrong, 4:00, It's So Hard, 2:35

Bonus tracks (1997): Some Candy Talking, 3:15.

Caos calmo (2008) de Antonello Grimaldi

Las relaciones entre Caos calmo del desconocido Antonello Grimaldi, siete años dedicado a la televisión y seis largometrajes en veinte años, y La habitación del hijo (La stanza del figlio, 2001), la esplendida película de Moretti, van más allá de la presencia de éste como actor principal y coadaptador de la novela de Sandro Veronessi.

Nos encontramos, yo a última hora porque la he repescado en el único cine de reestreno que hay en mi ciudad, con una obra sobre la pérdida de un familiar y la soledad que descubre la desgracia.

En Caos calmo muere la esposa de Pietro Paladini, un alto ejecutivo de una empresa italiana a punto de fusionarse con otra americana, en aquélla el hijo del personaje interpretado por Moretti. Una pérdida de un ser muy amado en aquélla y no tanto en ésta. En ambas, la soledad descubierta es enorme, pero en Caos calmo es pasada, puesto que Pietro apenas conocía ni a su hija ni a su mujer, mientras que en La habitación del hijo se va haciendo presente poco a poco a lo largo de todo el metraje. El dolor explota desde el primer momento en la película de Moretti mientras que en la de Veronessi no aparece y por eso se empeña Pietro en buscarla, en una curiosa ironía. Parecen dos miradas antagónicas sobre los sentimientos.

Ambientada en el microcosmos de un parque frente al colegio de su hija, con sus imposiciones como el saludo de su coche al niño con síndrome de Down y los paseos de los vecinos por él, el caos que soporta internamente Pietro nunca llega a desbordarse a pesar de sus compañeros de trabajo que no hacen más que agobiarlo con sus cuitas empresariales sobre la dichosa fusión y su cuñada no deja de contarle tonterías. Esta dificultad de casi un único escenario se resuelve con solvencia al igual que la omnipresencia de Moretti, un recital interpretativo.

No obstante, la película no acaba de encajar bien el tono entre cómico y dramático que plantea y la presencia de canciones en determinados momentos así como su sátira social, como la intervención de Roman Polanski como amante celoso, resulta bastante flojita.

El prometedor arranque no acaba de despegar, desaprovechándose circunstancia de la falta de ayuda a su esposa por salvar la vida a otra mujer, y un final acomodaticio acaban por hacer temblar la película.

Calificación: 4/10.

Carteles de La leyenda del indomable

Si pienso en La leyenda del indomable (Cool Hand Luke, 1967) de Stuart Rosenberg en seguida me vienen a la memoria los cincuenta huevos duros, pero es mucho más: un fenomenal drama carcelario, una estupenda banda sonora de Lalo Schifrin, un vehículo para el lucimiento de su protagonista, un canto al individualismo -tan norteamericano-, unos secundarios de lujo, un desenlace no por previsible menos dramático... y un gran cartel.

Mejor dicho, varios memorables carteles que variaron mucho según los países donde fue estrenándose.

He elegido cuatro de los cinco que aparecieron a lo largo de los años en Estados Unidos, muchos más que en la mayoría de las películas.

El original es el de arriba a la izquierda.

Las 10 mejores canciones de Bruce Springsteen

10. Radio Nowhere, 3:21. Primer single del álbum Magic (2007).

9. Streets of Philadelphia, 2:56. Editada en 7" en marzo de 1994. Se incorporó a la recopilación Greates Hits (1995). Nº 2 en Reino Unido.

8. Tunnel of Love, 3:42. Segundo single del disco Tunnel of Love (1987).

7. Dancing in the Dark, 4:01. Primer single de Born in the U.S.A. (1984). Nº 2 en Estados Unidos.

6. Hungry Heart, 3:19. Primer single del doble álbum The River (1980).

5. The River, 5:01. Cuarto y último single de The River (1980).

4. Brilliant Disguise, 3:43. Incluida en Tunnel of Love (1987), salió como primer single.

3. Thunder Road, 4:17. Incluida en el inigualable Born to Run (1975), no se editó como single. En directo desde el Hammersmith Odeon de Londres (1975).

2. Born in the U.S.A., 4:39. Tercer single del álbum del mismo título de 1984. Inicialmente acústica, al final se impuso la electricidad. El vídeo de la actuación en el Brendan Byrne Arena de New Jersey (1984).

1. Born to Run, 4:30. Primer single de su más recordada obra, 1975. En el vídeo, interpretándola en 1975.